いしうらまさゆき の愛すべき音楽よ。シンガー・ソングライター、音楽雑文家によるCD&レコードレビュー

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細野晴臣 / HOCHONO HOUSE

*[日本のフォーク・ロック] 細野晴臣 / HOCHONO HOUSE(Victor / 2019)

 

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 ホソノさんの新譜。しかもソロ1作目HOSONO HOUSEの完全セルフ・リメイク(プロデュース、ミックス、ボーカル、楽器)という趣向。でもこの辺の感じが「いま」が時代の転換点であることを伺わせる。アベノミクスとかいう偽りの捏造高度成長もそろそろ終わる(終わっている?!)現代。そもそもオリジナルがリリースされた1973年は高度成長の「終りの季節」だったわけでしょう。本盤にはその70年代のリヴァイヴァルがあった90年代的感覚も。この時代のホソノさんはテクノ~アンビエント指向だったわけだけど、またそれが戻ってきているという。ジャケはHOSONO HOUSE『S・F・X』をミックスしたような感じ。

 

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「HOCHONO(ホチョノ)」というタイトルには照れとユーモアも。確かに伊賀航、伊藤大地高田漣といったライブでお馴染みの面子でHOSONO HOUSEをリメイクしたら、近年のライブのようなオールドタイミーかつブギウギな感じになることは想像がつくし、新鮮味には欠ける。しかも71歳の彼が一人でリメイクするのに、全編シンガー・ソングライター的に仕上げればどうしても老いを感じさせてしまうわけで(とはいえ弾き語りテイストを残した「冬越え」に一番心を揺さぶられたが)。いずれにしても、適度に温かくヒューマンな打ち込みを入れたのは大正解だと思った。曲順を逆にしてるのも、過去に遡るようで、アルバムを聴く時間は進んでいくという二重構造で。1975年のライブ音源から収録された「パーティー」は時代の奥行きやタイムトラベル風味をもたらしていて。ヴァン・ダイク・パークス的バーバンク感もある。自身のセルフ・ライナーもあるので、想像力を働かせて聴いてみたい。ちなみにあえてLPで買ってみたけど、マスタリングの音が凄く良かったので一安心。

 

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 シアトルのレーベルLight in the Atticが出したコンピレーション『Even A Tree Can Shed Tears: Japanese Folk & Rock 1969-1973』には「僕は一寸」が収録されていたけれど、近年の細野晴臣の海外での再評価はご本人にとっても嬉しいことだったのだと思う。YMOのコンセプト・メイカーでありながら坂本龍一の影に隠れてしまった当時を思うと、その評価が逆転した印象。海外の音楽ファンで日本のポピュラー・ミュージックに興味を持った人達が、突出した作品の全てに細野さんが関わっているという法則性に気が付いたのだった。ちなみにそのコンピ、2017年のムック本『Folk Roots, New Routes フォークのルーツへ、新しいルートで』にもフィーチャーされており、私も本にちょっと関わらせてもらったのだけれど、その中に細野さんとデヴェンドラ・バンハートの対談も収録されていた。編著者のモンチコン清水君が言っていたけれど、その辺りで細野さんは海外での自身の音楽の再評価の手応えを得たんじゃないか、と。

 

 

ちなみにそのLight in the Atticから昨年、HOSONO HOUSE海外初リリースCD&LPが出ている。日本のレコ屋に海外から買い付けに来ている人を多く見かける昨今だから、需要もあるのだろう。ベルウッドのオリジナル・ファーストは流石に入手困難で、1979年の1500円再発LPを持っているけれど、音がこもっているのが不満だった(90年代に再発されたCDの方が音は良かった)。で今回、Light in the Attic盤LPも入手してみた。

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ジャケはゲイトフォールドで抜群によい。ベルウッドのアメリカンなレーベル・デザインも◎。ただ、音の方は良し悪しな感じも。「ろっかばいまいべいびい」のボーカルが消え入る部分は持ち上げられて、レベルが揃っている。でも、ボーカルの粒だちの新鮮さはベルウッド盤の方が良かった。まあ、マスターの状態とかもあるんでしょうけれど。てか元々狭山のホソノ・ハウス録音でありまして、曲によってはマスター自体がそこまでクリアな音像じゃないのかも。まぁ何を言おうとも、全部好きなんですけどね(笑)。不思議なんだけれど、アタマの中にはいつも完璧な音像でHOSONO HOUSEが鳴っている。その理想=イデアそのもの、を追い求めるためにホソノさんを聴き続けているのかもしれない。

Lindy Stevens / Pure Devotion

*[SSW] Lindy Stevens / Pure Devotion (Decca / 1972)

 

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 最近何気なく買ってみて感動した盤。リンディ・スティーヴンスというミルウォーキー出身の女性ジーザス系シンガーソングライターの唯一作。ダニエル&マシュー・ムーア兄弟の参加も目を引く(プロデュースはマシュー・ムーア)。フリー・ソウルな冒頭の”Ask The Lord”で掴みはOK。タイトル曲の”Devotion”が完全にローラ・ニーロ風なピアノ弾き語りの大名曲。崇高なハイトーンのこの1曲だけで本当に素晴らしいと思ってしまった。名匠ロバート・アペルがエンジニアリングを手がけた初期作品ではなかろうか。セクション、ダニー・クーチのソロ、ニール・セダカなどで一世を風靡する人。だから、そっちの音が好きな人にも堪らないはず。しかしここでギターを弾くのはクーチではなく、後の名セッション・ギタリスト、ディーン・パークスなのでありまして。彼にとって、1971年のヘレン・レディのファーストに次ぐ、ポップ・フィールドでのセッション初期作だと思われる。ディーンはストリングスと木管のアレンジも手がけている。中にはキャロル・キング風の楽曲もあるが、質は高い。珠玉の1曲はシングル・カットされた”Pennygold”。ローラ・ニーロの”Stoned Soul Picnic”をもっとアップなノーザン・シャッフルにしたような甘酸っぱい感触で!f:id:markrock:20190305233645j:plain

 

Guy Carawan / The Best Of Guy Carawan

*[フォーク] Guy Carawan / The Best Of Guy Carawan(Prestige / 1961)

 

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2015年に87歳で亡くなったガイ・キャラワン(1927年LA生まれ)。この人が公民権運動のアンセムとしてジョーン・バエズ他が歌った”We Shall Overcome(勝利を我等に)”を歌い始めた人のひとりだということは余り知られていない。この”We Shall Overcome”、元々はC.アルバート・タインドリーによって作曲され1900年に楽譜出版されたゴスペル”I’ll Overcome Someday”。これが1940年代のタバコ労働者のストライキに使われ、ルシール・シモンズという女性活動家のヴァージョンを組合のオーガナイザーだったジルフィア・ホートンが気に入り楽譜出版される。それを見たピート・シーガーが歌詞を一部変えて歌い、後にピートのウィーバーズのメンバーとなるフランク・ハミルトンがガイ・キャラワンに教え、彼が学生運動で世に広めた…そんな話になる。ちなみにジルフィア・ホートンはテネシーにあったハイランダー・フォーク・スクールの設立者、マイルス・ホートンの妻。ハイランダー・フォーク・スクールで労働者の行動や人種平等を学んでいたローザ・パークスアラバマ州モンゴメリーでバス・ボイコット事件の発端を作り、モンゴメリープロテスタント教会の牧師だったマーティン・ルーサー・キング・ジュニアが黒人差別撤廃を非暴力で実現する公民権運動のリーダーとなったことはよく知られている。

 

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 ガイ・キャラワンの演奏を聴くと、大衆化される前のフォークのかたちを捉えることができる。ギターやバンジョーを片手に歌われるオーセンティックなフォーク・ソングにはニグロ・スピリチュアル(ゴスペル)やアパラチアン・フォークの色も濃く残っている。ちなみに”We Shall Overcome”と同じメロディを持つ”No More Auction Block”(黒人奴隷が「もうオークションにかけないで」と懇願する)はボブ・ディランが”Blowin’ In The Wind(風に吹かれて)”のメロディに転用した。つまり”We Shall Overcome” も”Blowin’ In The Wind(風に吹かれて)”も、元の素材は一緒ということになる。これもフォークの伝統の一種だろう。ガイ・キャラワンが歌う”Shule Aroon”は「シュー・シュー・シューラールー」で知られるP.P&M(ピーター、ポール&メアリー)の”Gone The Rainbow(虹と共に消えた恋)”になり、これまたキャラワンが歌う古いバラッド”Nine Hundred Miles(900 Miles)”は、後に女性バンジョー弾きのヘディ・ウェストによって”Five Hundred Miles(500マイル)”として改作されることになる。他にも”We Are Soldiers”はレッドベリーの” Goodnight, Irene”と同じメロディだったり、定番”Midnight Special”があったりと、聴いていて楽しい気分にもなる。それと同時に、P.P&Mを手がけた敏腕(悪辣?)プロデューサーだったアルバートグロスマンという男は改めて相当商才に長けていたのだと思う。フォークの精神性を残しつつも、キレイでメロディアスな商品に仕上げてしまったという(一方、深層心理的ユダヤ系としての屈折はフォークやブルーズ、ロックにおけるアパラチア系白人や黒人の心情とシンクロしていたのだろう)。同じくアルバートが手がけたボブ・ディランの1962年のファーストに収録されていた”The House of the Rising Sun(朝日のあたる家)”はディランより6歳年上だった1936年生まれのデイヴ・ヴァン・ロンクのヴァージョンを拝借したものだった。それが英国アニマルズによってエレクトリック化され、大ヒットされたわけだけれども、その時ヴァン・ロンクは何を思ったか。60年代フォーク・リヴァイヴァル期に先行する一、二世代前の彼らには、商業化するフォークに複雑な思いがあったのではなかろうか。

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Joey Stec / Same

*['60-'70 ロック] Joey Stec / Same( Playboy / 1976)

 

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スワンプの宝庫としばしば言われるプレイボーイ・レーベルより(あのプレイボーイが持っていたレーベル)。1976年にリリースされジョーイ・ステックの名盤。世界的にカルトな人気を誇るミレニウムのオリジナル・メンバー。ミレニウムの大名盤『Begin』は良コンディションが少なくなっているせいか、海外オークションでも凄まじい値段がついている。よく考えてみると、ミレニウム関連盤がメジャーCDと同じようにディスプレイされて大型店で売られていたソフトロックな日本の2000年代って一体なんだったんだろう。ジョーイ・ステックのこの唯一のソロは、紙ジャケでCD化された当時買ったけれど、あまりピンと来ていなかった。

 

 

それがたまたまLPを発見し(なぜか初めてかも)、聴いてみたところ、むちゃくちゃ骨太なスワンプ・ロックでびっくりした。かなり良いじゃないですか!カート・ベッチャーのソロにも通ずるカントリー・ロックな作品やストーンズ風のロックもありつつ。テンプテーションズのカバー”I Wish It Would Rain”なんて、ジョン・レノンがロックンロール・アルバムで歌っている雰囲気だったりして最高。プロデュースはいい時期のストーンズを手がけていたジミー・ミラー、そしてバックはジム・ゴードン、カール・レイドルというカリフォルニア・ポップあがりのデレク&ザ・ドミノス組。そこにマナサスでの客演も著名なジョー・ララのパーカッション、ボビー・キーズの強力なサックス、全くもって悪いわけがない。ミレニウムの先入観で聴いて損をした盤かも。ちなみにジョーイ・ステックは1998年にSonic Past Musicを設立し、カリフォルニアのサンシャイン・ポップの蔵出し音源をリリース。ミレニアム、カート・ベッチャー、リー・マロリー、サンディ・ソールスベリー、そしてランディー・マイズナー…って全て当時買ってたやつじゃん、っていう話にもなる。

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OFF COURSE / オフコース・アンソロジー

*[日本のフォーク・ロック] OFF COURSE / オフコース・アンソロジー東芝EMI / 1977)

小6で“ラブストーリーは突然に”が大ヒットして小田和正を意識して以来、まあ正直隠れ小田マニアみたいな感じで。参加作とか提供曲も全部集めるみたいなことをやってきた。当然鈴木康博ファンでもありつつ。先週、フジテレビNEXTでやっているアルフィー坂崎幸之助のももいろフォーク村に私の永年のアイドルであり、今も心酔し続ける元・古井戸の加奈崎芳太郎師匠が出演!ももクロメンバー4人と代わる代わる古井戸ナンバー("何とかなれ"、"ポスターカラー"、”インスタントラーメン”、"ちどり足"そして"さなえちゃん")で共演という信じられない出来事があったわけですが(すごく新鮮だった!)、来月のゲストは鈴木康博なのだそう。

 

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 昨年初めてファンの方のお導きで小田ライブに初参戦。基本放っておいても大ヒットメドレーになるわけだけれど、「オフコースの小さな部屋」の雰囲気そのもののインティメイトなピアノ弾き語りで初期曲を演ったり、ファン離さないサービス精神に圧倒されてしまった。バンドも素晴らしい音を奏でていたし、何より70歳を超えているとは思えないハイトーンに圧倒された。f:id:markrock:20190222223951j:plain

 で、本日100円盤をいつも通り爆買いしていたところ、1977年のブレイク前夜のプロモーション盤オフコース・アンソロジーを発見。恥ずかしながら存在を知らなかった。ジャケットがコンビーフ缶というのも懐かしい感じが(笑)。『SONG IS LOVE』(デヴィッド・クロスビーの”Music is love”が念頭にあったタイトル?)と副題がついているけれど、『ジャンクション』のリリース直後で「PROMOTE DISK」と謳われている。再デビュー曲”僕の贈りもの”や鈴木康博の大名曲”もう花はいらない”、”ロンド”や、スマッシュ・ヒットした"秋の気配”もある。”別れの情景(Ⅰ)”は改めて聴くと完全にフィリー・ソウルですね。しかもリフは後の”Yes-No”に転用されていると思う。”Yes-No”の「君を抱いていいの」なんていう切ないリフレインもつまりは”You Are Everthing”だったのかも。

 

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何より衝撃的だったのは、アルバム未収録のCMメドレーというやつ。カルピス・ソーダヤマハ・スキー、明治ブルガリアヨーグルト…などなど12のCMソングが収録されている(この時点で47曲のCMソングを担当していた、ブックレットにリストあり)。完璧な洋楽的ハーモニーで結構趣味趣味的作り。大滝詠一のCM集とテイストは全く一緒だから面白い。CM音楽のアーカイブっていうのも、出ていたりもするけれど、埋もれている音源も多いのではなかろうか。

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Fat City / Reincarnation

*[フォーク] Fat City / Reincarnation(Probe / 1969)

 

芽瑠璃堂の実店舗が復活するというニュース。いいですね~。今実家が吉祥寺なのだけれど、私が認識した時点では既に芽瑠璃堂もぐゎらん堂も存在しなかった。いせやはもちろんあったし、「のろ」や喫茶店のBogaも健在だったけれど。そんなわけで芽瑠璃堂という名前には今も伝説の輸入盤店というイメージが残っている。ネット時代に実店舗というアナログなムードが出てきたのはいいことだと思う。アナログでダウン・トゥ・アースな70年代―90年代ときて、2010年代がまた回帰の時代になるはずだったんだけれど、平均寿命が延びたせいか、人口のアンバランスなのか、バブリーで近代的な昭和元禄的価値観が延命してしまった感じ。でも、最近のムードだと2020のオリンピックでとうとう無思想で男性に媚びる忖度アイドル時代なんかも打ち止めになるのでは。わからんけど。

 

 

実は最近、自分が20代だった20年近く前のことを思い出しつつ、音楽をもう1回やり直している感じもある。あの頃自分は好きな音楽のどこに惹かれていたのか?とか、あの時の音楽の感動を取り戻すにはどうすればいいのか?とか。希少性と感動の結びつきもあるし、ビッグデータによる必然より偶然性にあったような気もする。あとは手触りみたいなヒューマニティ。70年代のスピーカーを買って当時の音を再現してみる…という最近のマイブームもそれと関連している。音楽の幸せとか、そんなことも思いつつ。

 

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 で、自分の重要なコレクションを形成するきっかけになったお店を再び訪ねてみたり。例えば今はネット・ショップのみとなっているけれど、DISC FILE(https://www.disc-file.com/)。山下達郎のラジオにも音源提供している、60~70年代フォーク、シンガーソングライターの名店。今ならユニオンとかにも沢山あるアメ盤を扱っている店は20年前はそんなに多くなかったような。カレン・ダルトンバンジョー実物も持っておられる。元々は猿楽町にあったみたいだけれど、高円寺、高田馬場、そして高井戸のご自宅の店舗までお邪魔したことがあったように記憶している。店長さんから、CD化されたとかどうでもいい、みたいな話とか、ご自身のコレクションも売っているけれど、探せばまたアメリカのどこかで見つかるから惜しくない、みたいな話を聞いたけれど、今ならその気持ちがよーくわかる。バリー・マンよりいい、と力説されていたデイブ・ロギンスの”Pieces Of April”なんて、未だに月1で聴いているし。

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そのDISC FILEでファット・シティの1969年のファースト『Reincarnation』を入手。これは素晴らしかった!ビル・ダノフとタフィ・ナイヴァートの夫婦デュオ(後、離婚!)で、ジョン・デンヴァーの代表曲”Take Me Home, Country Roads”他の作者として知られている。タイトル曲の”Reincarnation”は「輪廻」の意。東洋思想かぶれのヒッピー風ないかにも、のタイトルだ。1972年パラマウントからの『Welcome To Fat City』やBill & Taffyの『Pass It on』『Aces』はジョン・デンヴァー寄りのカントリー・フォーク作だったし、スターランド・ボーカル・バンドになるとAORテイストでさえある。

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それに対して、ファーストはママス&パパス的なフォーク・ロックの色がある。プロデュースはママ・パパのジョン・フィリップスが組んでいたモダンフォーク・トリオ、ジャーニーメンのメンバー、ディック・ワイズマン。何しろバックのセッションメンがバーナード・パーディ、ヒューバート・ロウズ、バッキー・ピザレリ、ボブ・ジェイムスといったソウル、ジャズのスーパー・スター達。アレンジはボブ・ジェイムス御大が担当。ボブ・ジェイムスはこの時代、ウォーレン・マーレイ(https://oldays.merurido.jp/magazine.php?magid=00023&msgid=00023-1371801904)やフラモックス(Frummox)の『Here To There』(これもProbeのリリース)といったSSWのセッションに参加していた模様。もちろん中には”Sally Anne”や"We Don't Live Here No More"みたいなジョン・デンヴァー・スタイルのフォークもある。というか、ジョンは彼らの力を借りてカントリー・フォークな独特のスタイルを作ったのだった。

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Jonah / Same

*[ソフトロック] Jonah / Same(20th Century / 1974)

 

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先日ブログに書いたビクターの70年代初頭のスピーカーだけれど、それ以後も手入れにそれなりの時間を要しまして。まだ接点不良があるようだったので、再びバラして出来る限りの接点復活を試みたり、あるいは積もるホコリを除去するのもなかなか大変で(笑)。その量たるや結構凄かった。コーン紙やエッジを傷つけないよう無心の作業。それでも聴く音楽によって、まれに音が途切れることがあって、その理由はまだ探り途中。しかし45年前のものだから仕方ないし、手がかかるところがまた楽しかったり。修理に出したりすると高くつくし、安い娯楽だから面白いというのもある。今のところバーンとちゃんと音を出しているけれど、デカイ音で鳴らすと、今まで聴こえなかった音が聴こえてくるのが感動。ジミー・ウェッブの『Land’s End』を米盤LPで聴いたら、こんなプログレッシブだったっけ?という。いやー狂ってます。音楽やレコードは奥が深すぎる。

f:id:markrock:20190218172647j:plain さて、今日は500円くらいで入手したJonah(ジョナ)の盤。ジョナはニューヨーク出身、3人組のイタロ・アメリカンのトリオで1974年に20th Centuryレコードから1枚Jonahをリリースしている。あとはスパイダーマンのサントラのうち1975年の『Spider-Man: Rock Reflections Of A Superhero』に1曲提供している。

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今手元にある1972年の『The Amazing Spider-Man: From Beyond The Grave - A Rockomic』には絡んでいなかった。

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しかし、そこで歌っている(アーチーズの)ロン・ダンテがジョナの唯一作をプロデュースしている。ジョナのメンバーはマイケル・グレゴリオ、ロバート・ゲンゴー、ヴィンセント・ラファータ。マイケルは、それこそジミー・ウェッブの”Worst That Could Happen”を大ヒットさせたジョニー・マエストロ&ザ・ブルックリン・ブリッジのメンバーでバックコーラスを担当していた人。聴いてみてわかったけれど、その作品の一部(例えば”The Fool”)はCS&N風の作品。そう、”ライオンは寝ている”で有名なトーケンズのメンバーが作ったクロス・カントリーともちょっと似ているような。とはいえ全体的にはニューヨーク・ポップの名セッションマンを使った、ドが付くほどのポップ路線。ブロダクションはジム・クロウチなどで飛ぶ鳥を落とす勢いのキャッシュマン&ウェスト。そしてNYの名ギタリスト、ボブ・マンがホーン&ストリングスのアレンジを務め(全編ギターも)、他にもジェイムス・テイラーのバックとしてお馴染みのドン・グロルニックが参加。そしてドラムスはアラン・シュワルツバーグ。この面子で大体音は想像できるはず。マイケル・ブレッカーの参加もアリ。イタロ・コネクションではラスカルズのエディ・ブリガッティがパーカッションで参加する”Waitin’ For The Change”もある。先ほどCS&Nと言ったけれど、普通にポップ・ロック、ブルーアイド・ソウルもありつつ、ソフトロックな感性のコマーシャルなつくりが最高で!